Una jaula repleta de sueños

                     

En las nominaciones de los Oscars del año 1994, entre grandes películas conocidas por todos como ‘Forrest Gump’, ‘Pulp Fiction’ o ‘El Rey León’, apareció un nombre que hasta la fecha había pasado bastante desapercibido. Se trataba del filme ‘Cadena Perpetua’ (The Shawshank Redemption), un relato del novelista de terror Stephen King que un inexperto director llamado Frank Darabont decidió llevar a la gran pantalla. Resultado de este gran desafío fue un largometraje excelente, contado de una forma inteligente y brillante. Darabont demostró una seguridad y una ambición difícil de encontrar en cineastas poco experimentados, siendo finalmente ‘Cadena Perpetua’ su ópera prima.

Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption) 1994 - Director: Frank Darabont

Esta adaptación del relato de Stephen King tal vez se trate de una de las mejores adaptaciones literarias que se hayan llevado a cabo en el séptimo arte. Un drama carcelario en el que, a diferencia de todos los que hayamos visto hasta ahora, los sentimientos, las virtudes y las miserias humanas se palpan a lo largo de toda la trama en forma de injusticia, traición, brutalidad, resignación…pero ‘Cadena Perpetua’ también combina estas sensaciones con otras como la esperanza, la lucha, la constancia y la amistad fraternal. ¿El mensaje que cala en el espectador? Nunca hay que rendirse porque la constancia y la superación personal siempre nos conducirán a la liberación (literalmente).

Escena de 'Cadena Perpetua' con Tim Robbins y Morgan Freeman

‘Cadena perpetua’ es una fábula, donde la esperanza y la confianza en uno mismo pueden llegar a arrancar barrotes y derribar celdas.  Los protagonistas nos embelesan con unas actuaciones magníficas, tanto Tim Robbins en su papel de Andy Dufresne como Morgan Freeman interpretando a Red el mejor amigo de Andy en la cárcel.  También cabe destacar el trabajo especial de actores como Bob Gunton, en el papel del temible alcaide de la prisión, o del fallecido James Whitmore, como el recluso que lleva tantos años confinado que una vez fuera no consigue encontrar su lugar en la nueva sociedad que le rodea.

Como no podría ser de otra manera, mención especial a la banda sonora y los temas musicales que engalanan esta espectacular historia. El compositor Thomas Newman, nominado hasta 9 veces por mejor banda sonora en los Oscars, se encarga de hacerlo y aprueba con sobresaliente. Cabe destacar un diferente uso de los temas, con instrumentos de percusión, de viento o de cuerda, que combinadas con maestría tanto pueden transmitir la claustrofobia y la angustia de la vida en una celda como la esperanza, la ilusión y la vida que entra por las ventanas constreñidas de una cárcel. Algunos ejemplos los encontramos con temas tan distintos como "Shwashank Prison (stoic theme)", "Brook Was Here", "So was Red", "And That Right Soon" o "Compass and Guns".

Aunque todos estos temas sean instrumentales, a lo largo de la película también encontramos canciones originales interpretadas por grupos como The Ink Spots, un grupo vocal harmónico de doo-wop (una fusión de rythm&blues, gospel y soul) de los años 40 que nos da a conocer su tema más conocido 'If I didn't care". También podemos escuchar iconos de la música country como Hank Williams con su ritmo pegadizo y su forzados desafines al son de 'Lovesick Blues'. Por último, una especial mención a la música clásica que nos regala momentos sobrecogedores en la película como la escena en que Andy se encierra en el despacho del alcaide y conecta el megáfono para que todos los presidiarios escuchen "Le Nozze di Figaro" de Mozart.

Una navidad de segundas oportunidades

Cumplimos como cada día y hoy no podía ser una excepción. Nuestra Maratón Navideña acaba esta semana y queremos hacerlo con una de las películas más infravaloradas que ha pasado por las grandes salas: ‘The Family Man’, del director Brett Ratner que contó con un reparto de grandes talentos como Nicolas Cage y Tea Léoni.

'The Family Man' (2000) - Director: Brett Ratner

El filme tiene algo de fábula navideña, su trama contiene una grande moraleja que nos hace replantear que los los amigos y la familia, los bienes más preciados de todo ser humano, priman por encima de cualquier insignificancia. Así pues no es extraño que, por su coincidencia, esta cinta recuerde al famoso cuento de Navidad de Dickens (un ser avaro que contempla ante sus ojos una segunda oportunidad donde el éxito y el dinero no son tan importantes). ¿Estarías dispuesto a cambiar tu vida? Todo ello lo narra magistralmente Ratner con un discurso a favor de los elementos más simples, el querer y el ser querido por encima de una vida repleta de fortuna, el triunfo y los bienes materiales pero vacíos de sentimiento.

‘The Family Man’ presenta una comparación entre dos estilos de vida muy distintos. Ningún objetivo es tan imprescindible como para rechazar un "te quiero". Así pues, nos encontramos delante de una de las mejores interpretaciones de Cage que recordamos hasta ahora (junto con ‘El señor de la Guerra’). Acompañado de la gran Tea Leoni muestra una gran solidez y credibilidad en su papel donde despliega un abanico de sentimientos que surgen de lo más profundo. Un auténtico homenaje a la vida en familia, recomendable para aprender y reflexionar sobre las cosas más puras y gratificantes en un mundo que, de vez en cuando, vive embelesado por lo superficial y suele olvidar lo esencial.

Esta gran olvidada de nuestra gran pantalla ofrece una selección musical de lo más exquisita, con descubrimientos tan gratificantes como el ‘World Looking In’ de la banda británica Morcheeba, conocida por su mestizaje de estilos entre el blues, el pop o el soul. También nos encontramos con grandes éxitos de la década de los noventa como ‘Wicked Game’ del guitarrista Chris Isaak y que se popularizó en el mundo del cine donde la hemos escuchado más de una vez.

El cantautor Edwin McCain, también aporta su granito de arena en la película con su tema más rockero ‘I don’t know how I got by’ que acompasado con el tema por excelencia de los irlandeses U2, ‘One’, estamos ante una película navideña bastante inusual que sustituye el tintineo más frágil por el poder de una buena guitarra. Y despedimos esta maratón navideña con el sonido más soul del grupo americano Blue Magic que pone ritmo a esta película con su tema ‘Sideshow’, de melodía -éste sí- más acorde con la ternura navideña.

El 'Carpe Diem' de El Club de los Poetas Muertos

A finales de los años 50, empieza un nuevo curso en la Academia Welton, para estudiantes de familias privilegiadas y adineradas. Siete de ellos tendrán la experiencia de sus vidas al conocer al nuevo profesor de literatura inglesa, John Keating. Desafiando a las autoridades escolares y a sus severos padres, las enseñanzas del profesor les servirán de inspiración para hacer de su existencia algo extraordinario, buscar sus pasiones individuales en nuevos horizontes y realizarlas más allá de los estrictos planes de estudio de Welton. Un viaje junto a la buena música como siempre tratamos en este blog de bandas sonoras. (sinopsis)

Escena de la película cuando están en la cueva

El tema principal de la película es la amistad y todo lo que tiene que ver con ella. Los chicos se sienten libres pero con sus padres no lo son, sobretodo Weir, uno de los protagonistas. El uso de la metáfora gráfica como modo de enseñanza es otra idea magnífica del guión ya que nos encontramos ante un profesor de literatura poco convencional. Per ese y por muchos otros motivos com el de ver a los alumnos encima de las mesas para "ver el mundo des de otro punto de vista", es una película que emociona de principio a fín.

El compositor de cine francés, Maurici Jarre, fue quien confeccionó los temas de la película. Es conocido por la música de películas Lawrence of Arabia (1962), Doctor Givago (1965) i Passatge a l'índia (1984). Las tres bandes sonoras ganaron un Óscar. En la película 'El Club de los Poetas Muertos', nos sorprende com una plácida partitura que tiene presencia en todo del film de manera puntual y escasa y sin aparecer en la parte final. Encontramos melodías celtas, con gaitas incluidas, que crecen con el desarrollo argumental. Un ejemplo de ésta música es la canción 'Carpe Diem' que aparece en el film o 'Neal'.

                                                             'Carpe Diem' de Murici Jarre

Temas

• 1. Carpe Diem (04:44)
• 2. Neal (03:16)
• 3. To The Cave (02:33)
• 4. Keating's Triumph (05:52)
• 5. The Mosquito Coast (05:35)
• 6. Main Title (06:20)
• 7. Building The Barn (05:00)
• 8. Wayang Kulit/Death Of A Child/Kwan/Enchantment At Tugu/Kwan's Sacrifice (05:37)

En este link podeis encotrar todas las canciones que aparecen en la película (haz clic en link)

Noche de Óscars para West Side Story

El pasado viernes 7 de diciembre tuvo lugar un acontecimiento cultural de gran importancia histórica. Los Cines Aribau acogieron 1174 personas para ver West Sid Story, musical ganador de 10 Óscars. ¿Por qué West Side Story? Porque fue la película con la que los Cines Aribau abrieron un 7 de diciembre de 1962, manteniéndola 96 semanas (dos años) en cartel. Así que el viernes, los Cines Aribau celebraron su 50 Aniversario y contaron con un público de todas las edades que aplaudió espontáneamente durante la proyección de la película y que rememoró, tal vez, la primera vez que vieron la película 50 años atrás.

Para los que no la conozcáis, West Side Story es una versión moderna del clásico de Shakespeare, Romeo y Julieta. El West Side es un barrio marginal de Nueva York donde los sharks (portorriqueños) y los jets (europeos), dos bandas callejeras, se disputan la calle. El líder de los portorriqueños, Bernardo, vive con su hermana María (Natalie Wood) que, una noche, coincide con el antiguo líder de los jets, Tony (Richard Beymer) y se enamoran. Aún así, todo termina con una violenta pelea.

West Side Story (1961). Director: Robert Wise y Jerome Robbins

Ganadora de 10 Óscars, entre ellos el de Mejor Película, Mejor Director (Robert Wise y Jerome Robbins) y Mejor Banda Sonora, es esencial el papel preponderante que ejercen las canciones y los bailes en West Side Story.

Las canciones que más llaman la atención del espectador (y que se podían oír cantadas tímidamente por algunos de los asistentes al cumpleaños de los Cines Aribau) son 'America', 'Maria', 'Tonight'. 

West Side Story (1961). Director: Robert Wise y Jerome Robbins

En la primera, una espectacular Anita (Rita Moreno, ganadora del Óscar a Mejor Actriz de Reparto) compite junto a las demás chicas portorriqueñas contra los chicos portorriqueños. Ellos se sienten marginados en Nueva York y critican el racismo latente mientras que ellas cantan a favor de los Estados Unidos, donde se sienten libres y felices. La interpretación de 'America' cuenta con una coreografía fantástica y con una puesta en escena, aunque muy sencilla, que llama mucho la atención del espectador. 'America' fue compuesta por  el compositor Leonard Bernstein, que llegó a dirigir la Orquesta Filarmónica de Nueva York.  

West Side Story (1961). Director: Robert Wise y Jerome Robbins

'Tonight' es la canción del amor que protagonizan María (Natalie Wood) y Tony (Richard Beymer), un tema dulce y con una letra excesivamente romántica que cuenta con una gran interpretación por parte de la pareja de enamorados. También compuesto por Leonard Bernstein. 

Entre las curiosidades de West Side Story, cabe destacar el hecho que Elvis Presley podría haber sido Tony, aunque su mánager le disuadió de ello. Richard Beymer (Tony) y Natalie Wood (María) no sabían ni cantar ni bailar, de modo que sus escenas de baile fueron reducidas y sus voces son dobladas cuando hay canciones. 

Una alfombra roja y 10 estatuillas tamaño real recrearon la que, sin lugar a dudas, fue la noche de los Óscars para los Cines Aribau y para West Side Story. Bajo el cartel de 'Entradas agotades', la sala corrió el telón y comenzó el drama.

Canciones de 'Los Chicos del Coro'

Seguro que muchos se preguntarán quiénes son los niños que cantaban en la película 'Los Chicos del Coro', ahora no tan niños. Pues según informa El Cultural, se trata del coro de Saint Marc, de Lyón, dirigido por Nícolas Porte, quien ha manifestado que la coral ya existía en el 1986 y que no fue creada para la película, sino que fue una de las más de 200 corales infantiles que presentaron un dossier contestando un anuncio de la productora cinematográfica que buscaba a un grupo capaz de cantar con sencillez y emoción.

En un principio, querían utilizar las voces de la coral para elaborar el play-back sobre el que iban a simular que cantaban los pequeños actores. Pero el director de la película, Cristopher Barrater quien también trabajo junto a Bruno Coulais para componer la música, descubrió a Jean-Baptiste Meunier, uno de los solistas y pensó que el era el niño ideal para encarnar a Morgange, el protagonista. 

Cartel de la película: Los Chicos del Coro - Dirigida por: Christophe Barratier

'Los chicos del coro' narra la historia de un profesor de música desempleado, Clément Mathieu, que acepta un puesto de trabajo de profesor vigilante en el internado de reeducación de menores. Éste, enseñándoles la música y el canto coral, transformará la vida de los pequeños y conseguirá buenos resultados que la dura disciplina y los castigos no habían conseguido. Es una película francesa que se estreno el año 2004. 

Es una película que ofrece al espectador una lección de la vida humana. Muestra como un acto aparentemente insignificante puede transformar la vida de delincuentes sin remedio alguno. El principal lema del film es "la musique peut changer les gens" (la música puede cambiar a las personas). 

Algunos de los temas que aparecen en la película han pasa a la historia. La composición  musical de Bruno Coulais sigue muy bien las pautas y directrices que necesita el film. Ganó el 'Premio Europeo a la Mejor Banda Sonora', hecho que es un gran elogio. Canciones como 'La Nuit' o 'In memoriam' ponen los pelos de punta. Las voces espirituales de los niños reflejan un ambiente de tranquilidad y de paz. Grandes temas que acompañan una gran película.

Canción: 'In Memoriam' de la película Los Chicos el Coro

'La Nuit' (2004)

TOP 10 DE LA PELÍCULA (Disco 1)

1 – Los choristes

2 – In memoriam

3 – L’arrivée ecole

4 – Pepinot

5 – Vois sur ton chemin

6 – Les partitions

7 – Cresse sur l’Océan

8 – Lueur d’été

9 – Cerf

10 – Sous la pluie

Bailando a la orilla del Misisipi

En un rincón de la América sureña, durante la década de los 60 del pasado siglo, la huella y lacra del racismo todavía no había logrado desaparecer. Jackson, la capital de Misisipi, es el lugar donde transcurre la película "Criadas y Señoras" (The Help): el filme revelación del año pasado, que refleja el punto de vista de unas sirvientas afroamericanas bajo la pluma de una joven escritora y periodista blanca. Ésta encuentra la perfecta oportunidad para, a la vez de denunciar un hecho de desigualdad social totalmente repulsivo, dar un empujón a una incipiente carrera como novelista.

Criadas y Señoras (The Help). Año 2011 - Director: Tate Taylor

“Criadas y señoras” es una película que baila entre el drama y en momentos precisos la comedia más familiar. Hábilmente sabe sonsacar lágrimas y también unas cuantas carcajadas. El director Tate Taylor sabe cómo hacer que al espectador se le hiele el corazón en las escenas más sobrecogedoras hasta hacerse según que reflexiones que en un producto “mainstream” hollywoodiense son impensables. Por ejemplo, ¿cómo en una de las sociedades más modernas y avanzadas del mundo se llegó a permitir un trato tan denigrante hacia estas personas?

Las historias entrelazadas de todos los personajes van acompañados por una banda sonora simplemente perfecta, con temas para todos los paladares pero que no se alejan entre sí, una combinación perfecta para acentuar el fuerte contenido dramático de la obra. Así pues encontramos temas de lo más pop-soul con Mary J.Blige y su “The Living Proof” hasta temas más country que nos trasladan a la América de los 60’ con el “Jackson” de Johnny Cash y June Carter. La energía de las voces negras nos llega de la mano de artistas célebres y mitos de la música sureña como Ray Charles, que nos regala ese rítmico y alegre “Hallelujah I love her so”.

Mavis Staples se encarga de añadir el sonido más góspel y jovial a la película con “Don’t Knock". Sin olvidar el famoso rock&roll dance de Chubby Checker con su “Let’s twist again” que comparte largometraje con el “Don’t think twice, it’s alright” de Bob Dylan. Sin lugar a dudas, se tratan de un conjunto de poderosas canciones visuales que retumbaran en nuestras cabezas siempre que nos vuelvan a hablar de las injusticias vividas por los ciudadanos negros de los Estados Unidos.

No hay montaña demasiado alta

La típica batalla entre la madre de dos niños y la nueva novia del padre queda aparcada en este drama protagonizado por Jackie (Susan Sarandon) e Isabel (Julia Roberts). La película es Quédate a mi lado (1998) y fue dirigida por Chris Columbus, director de películas de mucho éxito como Solo en casa, Solo en casa 2: perdido en Nueva York, Harry Potter y la piedra filosofal y Harry Potter y la cámara secreta.

Quédate a mi lado (1998). Director: Chris Columbus

Para la banda sonora de esta tierna, dulce y a la vez cruda película, Columbus unió a los compositores John Williams y Christopher Parkening. Williams también se encargó de la música de películas como Harry Potter o Star Wars. La banda sonora cuenta con catorze temas instrumentales de la mano de Williams y Parkening ‘Jackie and Isabel’ o ‘Jackie’s Secret’ y con una canción estrella: ‘Ain’t no mountain high enough’, una canción soul escrita por Nickolas Ashford & Valerie Simpson en 1966. La canción alcanzó el éxito el año siguiente como single de Marvin Gaye y Tammi Terrell.

Quédate a mi lado (1998). Director: Chris Columbus

'Ain’t no mountain high enough' es un tema que habla del amor a la vida, de la superación y del amor incondicional. La letra dice algo así como ‘no hay montaña demasiado alta, ni hay valle demasiado bajo’. Una canción que muestra a la perfección la esencia de Quédate a mi lado. De hecho, la escena en la que Susan Sarandon canta la canción con sus hijos en la habitación es la más tierna, entrañable y divertida de la película. 

Winter's Bone y la desconocida Marideth Sisco

                        

Si hablamos de la actriz Jennifer Lawrence puede que muchos de vosotros la conozcáis por sus papel en la aclamada saga Los Juegos de Hambre. Esta joven convertida en ídolo de masas por muchos adolescentes nos impactó a los más cinéfilos con su interpretación en el film premiado en Sundance el año 2010, Winter’s Bone.  La película cuenta la historia de Ree Dolly (Jennifer Lawrence), una joven que debe hacerse cargo de una madre enferma y dos hermanos pequeños. Una adolescente que lleva el peso de toda una familia y recibe la terrible noticia de que su casa podría ser embargada si su padre –hasta el momento desaparecido– no se presenta a un juicio pendiente. La joven decide entonces iniciar una aventura vital para localizarlo...

Winter's Bone (2010) - Directora: Debra Granik

Lo que hace que el trabajo de la directora Debra Granik funcione con creces es la fuerza que Lawrence que transmite a su personaje. Winter’s Bone tiene alma de western del siglo XXI pero aquí la construcción de su reparto está más elaborada y dibujada con conocimiento. Es el vivo retrato de un gélido e inhóspito Missouri donde no falta intriga ni tampoco drama, así como tampoco carece de una denuncia social sobre las condiciones de la América de los hillbillies, aquella que vive en el ostracismo rural, sobreviviendo apenas con los recursos básicos que les ofrece su entorno. 

Tal vez diste mucho de ser una obra maestra e incluso la podríamos tachar de imperfecta pero su intención de concienciar al espectador con su trama envuelta en moraleja dejan poso al público. La miseria también es un problema dentro de la ‘América blanca’. Sin duda, Winter’s Bone es la película que le hubiera encantado dirigir a Clint Eastwood.

Y por si fuera poco independiente este desconocido filme, también lo es la cantante que pone voz a la banda sonora de la película. Hablamos de Marideth Sisco, una figura del country totalmente desapercibida en el mundo de las celebrities. Esta mujer del auténtico Missouri fue la persona que buscó Granik para aportar veracidad a la música de la película, un elemento clave para crear la atmosfera adecuada dentro de la historia donde el drama, la superación y la supervivencia son las protagonistas. Periodista y profesora de música, Sisco ha compuesto junto con el grupo Blackberry Winter, sus inseparables músicos, el álbum In These Ozark Hills donde el country más auténtico, sin envoltorios, es lo que importa.

En Winter’s Bone su voz frágil y contenida nos ofrece buenos temas como ‘Missouri Waltz’ que suena en los primeros minutos de la película.  A parte de este, también encontramos la imprescindible ‘High on a Mountain’ donde le acompaña toda su banda. Junto con Blackberry Winter también interpretará ‘Fair and Tender Ladies’, ‘Farther Along’ o ‘Ballad of Jessup Dolly’. El sonido más triste del country, esos violines que se alternan con un viejo banjo, no cesaran tampoco en ‘Angel Band’. El talento de Sisco gustará a aquellos que sientan devoción por las raíces de la América de verdad. Para sentir ese american way of life. ¡Comprobadlo vosotros mismos!